Подчинение территории: как Советский Союз и его наследница Россия обращаются с ресурсами, людьми и природой
Если вы окажетесь в Париже до 17 июля, непременно загляните в музей Орсе. Название выставки «Таможенник Руссо. Архаическая невинность» напоминает о прозвище художника, который долгое время работал на таможне и всерьез увлекся живописью лишь к 40 годам. Анри Руссо отвергал каноны академизма, диктующие художникам-реалистам точное подражание натуре, всегда экспериментировал с композицией и цветом и создавал удивительно яркие и эмоциональные произведения. Он писал экзотические пейзажи, диких животных и тропическую растительность, следуя лишь своему воображению, ведь он никогда не видел всего этого вживую. Выставка исследует наивное искусство Руссо с необычного ракурса — 40 его картин экспонируются вместе с работами старых мастеров и авангардом французской живописи. Так мы можем проследить его связь с классиками и влияние на современников: Жорж-Пьера Сёра, Диего Риверу, Пабло Пикассо, Василия Кандинского и многих других. Последние два не только вдохновлялись живописью гения примитивизма, но и коллекционировали его работы. В общем, Орсе приглашает нас прийти и увидеть, как оставался в прошлом академизм и начиналась совершенно новая история, которую предвосхитило творчество Руссо.
Отличный способ совместить отдых на пляже и культурную программу — отправиться в Грецию этим летом. В Афинах пройдет первая в Греции выставка самого востребованного китайского художника Ай Вэйвэя, который известен прежде всего провокационными проектами. Он работает с традиционными для китайского искусства материалами — бронзой, деревом, мрамором и, конечно, фарфором. Выставка впервые проводится в археологическом музее, а произведения Вэйвэя размещаются среди древних экспонатов. Многие работы посвящены миграционному кризису в Европе — они были созданы во время его путешествия на остров Лесбос и будут впервые выставлены для публики, а среди уже известных мы увидим скульптуры «Цао», «Дивина Пропортионе». Также на выставке представлена серия фотографий, посвященных кризису и сделанных греческими фотографами-любителями, и невероятный «Айфон-коллаж» из 12 тысяч снимков.
В этом году ровно 100 лет с даты первой выставки Джорджии О’Киф в галерее «291» в Нью-Йорке. Она стала популярной в начале XX века, попав в авангардный круг художников во главе с Альфредом Стиглицем, ставшим ее мужем. Джорджия исследовала природу любимого Нью-Мексико, писала захватывающие пейзажи прерий, натюрморты и постоянно экспериментировала. Одним из основных источников вдохновения для нее стала фотография — художница изображала предметы крупным планом, использовала кадрирование и удаляла большое внимание форме. Выставка охватывает десятки лет ее творчества — начиная от ранних абстрактных полотен и заканчивая поздними работами. Работы О’Киф очень редко можно увидеть за пределами США, и выставка в Тейт Модерн — отличная возможность это сделать.
В музее Прадо в Мадриде на днях открылась выставка Иеронимуса Босха, самая масштабная и полная за все время. 2016 год объявлен Годом Босха в Европе — в этом году исполняется ровно 500 лет с момента смерти крупнейшего мастера Северного Возрождения. Он писал как библейские сюжеты, так и вымышленный инфернальный мир, полный символов и магических существ. В Прадо собраны произведения из постоянной коллекции музея, к слову, самой большой в мире, а также «Увенчание терновым венцом» из Национальной галереи в Лондоне, один из шедевров мировой графики «Человек-дерево» из галереи Альбертина в Вене и многое другое. И, конечно, в экспозицию войдет триптих «Сад земных наслаждений», который можно разглядывать бесконечно.
Уже на этой неделе в «Гараже» откроется первая персональная выставка Урса Фишера в России. Экспозиция «Маленький топор» предлагает поучаствовать в преобразовании окружающего пространства с помощью размещенных на площади перед музеем глиняных скульптур. Зрители смогут сами создавать и менять ландшафт и стать настоящими соавторами художника. В центральной галерее тем временем можно будет увидеть более 20 скульптур из бронзы, расписанных Фишером, — на их создание художника вдохновила архитектура нового здания музея. Трехметровая пара-свеча, горящая в течение всей выставки, напоминает его известный проект What if the Phone Rings, в котором экспонаты таяли на глазах. Фишер создает свои объекты с изрядной долей юмора и не боится уничтожать их прямо во время экспозиции. В третьем разделе выставки, который откроется 4 июля, мы сможем узнать подробнее о проекте Yes и самом Урсе Фишере, изучить его творческий метод и пуститься в коллективное творчество.
В музее Людвига (музее современного искусства) в Будапеште этим летом пройдет необычная выставка молодого искусства Албании и Республики Косово. Мы мало знаем о художественном процессе этих интереснейших регионов Балканского полуострова, а он, безусловно, заслуживает внимания. Акцент в экспозиции сделан на самых новых проектах и тенденциях и появившихся недавно художественных комьюнити. Выставку начали готовить еще осенью 2014 года, и результатом станет первый в своем роде проект, объединивший почти 30 художников из Албании и Косова. По замыслу кураторов, экспозиция покажет общность и, наоборот, различия, противоречия между арт-сценами двух стран, говорящих на одном языке.
В самом высоком музее Токио пройдет большая выставка «Искусство и Вселенная». Она объединит более 150 работ самых разных жанров — от астрономических зарисовок Леонардо да Винчи и Галилео и до инсталляций креативной команды TeamLab с полным эффектом присутствия. Тема у всех одна — Вселенная и космос. Она возникала в мировом искусстве на протяжении всей его истории, была объектом поклонения и изучения. Один из самых интересных экспонатов — японская народная сказка «Повесть о старике Такэтори», также известная как «Принцесса Кагуя», которую смело можно назвать старейшей японской сай-фай-новеллой, ведь она была написана еще в X веке. Выставка разделена на четыре раздела, посвященных тому, как тема космоса отражалась в искусстве с древности до наших дней. Учитывая неугасающий интерес к исследованиям Вселенной и масштаб экспозиции, проект станет самым заметным арт-событием в Токио этим летом. А совершая космическое арт-путешествие, можно любоваться видами района Роппонги, ведь музей Мори окружен отличной смотровой площадкой со всех сторон.
Команда Музея современного искусства в Амстердаме подготовила сразу две заметных выставки: Энди Уорхола и Бэнкси. На первом этаже музея разместили около 50 оригинальных работ иконы стрит-арта. Это первая в истории экспозиция Бэнкси в музейных стенах; тут и Girl with a Balloon, и Kate Moss, а центральной работой стала Beanfield, которая не выставлялась с 2009 года. Бэнкси в основном работал на улицах по всему миру, но не все знают, что он создавал и работы для демонстрации в помещении: изображения на холсте, дереве и бумаге. А спустившись ниже, вы найдете экспозицию работ Уорхола под названием Royal. Название выбрано не случайно: среди работ многие посвящены знаменитостям (например, известный портрет Мэрилин Монро), а также королевским особам. На совместной выставке особенно заметно, что у художников много общего, но столько же и противоречий: изучить их можно, прогулявшись по залам только открывшегося музея Moco — ему нет и полугода.
Выставка в палаццо Строцци приглашает посмотреть свежим взглядом на работы художников европейского модернизма, а также на живопись и скульптуру мастеров американской арт-сцены 1950–1960 годов, таких как Джексон Поллок и Рой Лихтенштейн. В сравнении особенно заметно, как сильно отличается стиль художников двух континентов. Почему именно здесь? В 1949 году Пегги и Соломон Гуггенхайм впервые показали свою коллекцию американского искусства в Строцци и затем разместили свою коллекцию в Венеции, познакомив европейскую публику с новыми тенденциями. И снова все фундаментальные произведения 1920–1960-х собраны под одной крышей: Марсель Дюшан, Ман Рэй, Василий Кандинский, Марк Ротко, Джексон Поллок и другие.
Главный вопрос выставки: когда художественное произведение может называться завершенным? В экспозиции представлено 197 работ художников нескольких эпох от Возрождения до модернизма, половина которых находятся в постоянной коллекции музея. Иногда художники действительно не завершали свои работы, и, рассматривая их, мы можем лучше понять, как создавалась картина. Но Уильям Тёрнер и многие импрессионисты использовали «незавершенность» как художественный прием, а с началом XX века границы были окончательно размыты. Джексон Поллок, Роберт Раушенберг и другие расширяли представления об искусстве и даже приглашали зрителей завершать их «неоконченные» работы. Им и предстоит решить, когда работа художника считается завершенной, ведь этот вопрос остается открытым.
